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Simón de la montaña

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De qué se trata: rodeado de lo árido, bello y rústico que se aprecia de la geografía de la Cordillera de los Andes, Simón es un joven con un desorden emocional y familiar complicado. Cada vez más distanciado de los suyos, se empieza a mezclar dentro de un grupo de chicos con diferentes discapacidades. Uno de ellos genera una empatía cada vez mayor con él y, a medida que se conectan más, Simón muestra gestos, tics y movimientos muy poco convencionales. Los giros de la historia quebrarán la armonía de todos, lo que decantará en conflictos críticos.

Por qué hay que verla: porque la ópera prima de Federico Luis es una audaz propuesta argentina. El director obtuvo el premio de «La Semana de la Crítica» en Cannes y otros galardones en diferentes festivales que posicionaron a Simón de la montaña como una pieza muy particular, que entra en sintonía con otros films como Kids Gummo, donde las cuestiones físicas influyen en la trama. A la vez, es un drama que mezcla lo documental dentro de lo ficcional y que hace un combo de géneros, con algo de comedia incómoda y un poco de thriller de suspenso, lo que genera muchísima tensión. Toto Ferro vuelve a protagonizar un film tras El Ángel y su labor es excepcional, única y para aplaudir varias veces.

 

 

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Las razones por las que el terror busca reemplazar al drama en Hollywood: eficiencia, bajo costo y atracción

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Después de la crisis de la industria en la pandemia, las preferencias del público se modificaron en un contexto de un profundo cambio de paradigma.

Desde hace al menos diez años que hay una tendencia que se está haciendo cada vez más notoria en el centro de la cinematografía mundial. Hollywood levantó el perfil de sus películas de terror que empezaron a tener mucha más presencia en la taquilla y en la agenda periodística, más allá del nicho que siempre ocuparon en un grupo cerrado de cinéfilos.

A partir de los enormes sucesos de La sustanciaLonglegs y Terrifier 3 -para poner solo tres ejemplos- TN Show hizo una búsqueda cruzada de cifras y estadísticas que permiten rastrear un panorama que podría sostener su marcada tendencia a lo largo de los próximos años.

El star-system clásico de Hollywood se modificó: así comenzó el cambio de tendencia

Durante la era dorada de principios de los 40, Hollywood fundó un terceto de elementos que delineó el funcionamiento principal de la industria cinematográfica de los Estados Unidos: el star system, el sistema de estudios y la división de géneros.

Con algunos cambios radicales de producción en la década del ‘70 y que se solidificaron en los ‘80 a partir de blockbusters como E.T., los primeros tres episodios de Star Wars o las películas de aventura de Indiana Jones, el círculo virtuoso de tres patas se siguió agigantando. En la década del ‘90 y de 2000 se intensificó ese rumbo industrial.

Ahora, la situación empezó a mutar. Hay dos razones que llevaron a tener un panorama diferente desde la década pasada. En 2012 se estrenó Avengers, generando una modificación estructural en la realización de secuelas, sagas, remakes y múltiples spin-offs. Todas las compañías imitaron esa manera de hacer cine.

"Tiburón", de Steven Spielberg, cambió para siempre la historia de Hollywood. (Foto: Universal Home Video)
«Tiburón», de Steven Spielberg, cambió para siempre la historia de Hollywood. (Foto: Universal Home Video)

La otra situación no fue artística, sino humanitaria. En 2020 se produjo la pandemia, con la consecuente paralización de la industria por completo durante meses. Eso generó ganadores y perdedores, con empresas grandes más grandes que posteriormente se convirtieron en pulpos y productoras chicas que sirven como satélites de las majors.

Estos brutales cimbronazos en el centro de la producción de contenido desataron un movimiento telúrico impactante que continúa teniendo réplicas en este presente, movilizado por los algoritmos, el streaming y la IA.

Hace años que aquel Hollywood dorado no existe más y, ahora, las grandes compañías, diversifican cada vez más sus producciones, multiplicando exponencialmente el número de franquicias, reboots reviviendo sagas que se creían olvidadas.

De esta forma, intentan llevar a diferentes géneros lo bien que le funcionó durante el último tiempo con los superhéroes: agigantar universos y focalizar cada vez más en desprendimientos de personajes. El terror, que tiene una larga historia de sagas, profundizó su propio modelo.

Qué pasa en la taquilla y la producción: el cambio de preferencias en Hollywood

En ese devenir -en el que también juegan los servicios de streaming, pero eso es para otro artículo-, los géneros más atractivos para la pantalla grande, ganaron espacio en las salas. Así, la acción, la ciencia ficción y el terror toman impulso cada vez más en la taquilla. El drama, por su parte, es el que más sintió la debacle de su producción: el interés del público ya no es el que era.

De acuerdo a los números publicados por el sitio de estadísticas The Numbers, en los últimos diez años, el género del drama bajó notablemente la cantidad de películas y su eficiencia en la taquilla: de un share de más del 15% pasó al 9% en 2023, una cifra que es una tendencia marcadísima en los últimos tres años.

Más allá del resto de los géneros, por su parte, los números del terror son notables desde 2013 hasta 2023 (este último año también, pero todavía no terminó y faltan grandes estrenos como Nosferatu): pasó de tener un share ese año de poco más del 4% a superar el 10% el año pasado.

Nicolas Cage hace una composición magistral de un villano en Longlegs. (Foto: Neon)
Nicolas Cage hace una composición magistral de un villano en Longlegs. (Foto: Neon)

El horror pasó en aquel año de estar sexto en la lista, con 32 películas realizadas y más de 500 millones de dólares de recaudación a ocupar el cuarto lugar en 2023, muy cerca del tercer puesto, con 55 films producidos y más de 900 millones de dólares.

El drama, en el transcurso de estos años, sufrió un desencantamiento con el público. A pesar de que sigue siendo el género que produce más cantidad de films, sus realizaciones no son eficientes.

Mientras que en 2013 se produjeron 223 películas en los Estados Unidos que recaudaron en las salas más 1200 millones de dólares, en 2023 -ya sin las consecuencias burdas de la pandemia- el drama generó 155 películas que obtuvieron algo más de 800 millones.

Esto demuestra que en 10 años, el drama derrumbó su producción, mientras que el terror no solo se sostuvo sino que fortaleció su cantidad de films. Incluso, muchas ficciones del horror tomaron prestados argumentos, bajadas de línea y profundidad temática, algo que no se daba de manera tan expuesta en otras épocas.

Cuáles son las películas que muestran el fortalecimiento del terror como género

Más allá de los números hay producciones con nombre y apellido. Haciendo una prehistoria de este fenómeno de los últimos años, hay dos películas que impulsaron al terror en la década: El conjuro e It.

La película de James Wan de 2013, por la tendencia que generó en cuestión de sagas, universos y spin-off. Su modelo es, en paralelo, el que Avengers fue para los superhéroes; el film dirigido por el argentino Andy Muschietti en 2017, porque generó que una película de terror rompiera la taquilla, ya que recaudó la delirante cifra de 700 millones de dólares.

Estos fenómenos particulares contagiaron a realizadores que multiplicaron sus ganas de producir. Así llegaron obras diferentes como Get Out!El hombre invisible o Hereditary, que le pusieron un contenido un sesgo hasta político al horror: el drama empezaba a entrometerse cada vez más en los argumentos de los films del género.

Hace un par de años, el medio CNN analizó este movimiento en la industria con Paul Dergarabedian, analista senior de medios de Comscore. El especialista sostuvo que lo que está ocurriendo es que el terror no está siendo más un género que solo se ve en un nicho.

Art The Clown es el payaso villano de la saga "Terrifier". (Foto: Bloody Disgusting).
Art The Clown es el payaso villano de la saga «Terrifier». (Foto: Bloody Disgusting).

“El género de terror, que ya no está marginado, tiene audiencias que gravitan hacia los escalofríos y las emociones que solo el cine, con su experiencia comunitaria e inmersiva, puede ofrecer”, comentó.

Más allá de que todavía siguen funcionando en circuitos de ultrafánticos, Dergarabedian cree que el viejo modelo de los festivales de terror de bajo nivel cumplió un ciclo. “Es cosa del pasado ya que los nuevos guardianes creativos del género están más centrados en brindar una experiencia general sólida para el espectador”, reflexionó en el reportaje citado de 2022.

Su visión se contrasta cien por ciento lo que pasó este año en la pantalla grande. Desde que arrancó este 2024, la cantidad de films de terror que circularon por los cines con éxito o al menos con potencia en la previa fue altísima: la gran mayoría, de una factura técnica impecable y con temáticas, en casi su totalidad, cruzadas por el drama.

Al margen de los malos resultados en la taquilla, La primera Profecía fue una exquisita precuela que amplió un universo que se creía terminado hacía rato; mientras que Trap tampoco aportó demasiado, pero dejó otro film dirigido por M. Night Shyamalan y eso ya es un montón.

Un verdadero gol de media cancha fue Alien: Romulus que volvió a meterse con el subgénero de la ciencia ficción del terror para mostrar una original precuela dirigida por el uruguayo Fede Álvarez. El film obtuvo una taquilla de más de 350 millones a nivel internacional, cuadruplicando su presupuesto de realización.

Una de las impactantes escenas de "Smile 2". (Foto: AP/Paramount Pictures)
Una de las impactantes escenas de «Smile 2». (Foto: AP/Paramount Pictures)

Un lugar en silencio: Día unoSmile 2 Terrifier 3 son también precuelas/secuelas que tuvieron un éxito totalmente desproporcionado. Cada una de ellas superó a sus antecesoras.

El fenómeno de Art The Clown es uno de los más notables ya que con un bajo costo de 2 millones de dólares recaudó más de 55 millones de dólares y quedó a un paso de superar a Joker: Folie à Deux, uno de los mayores fracasos de la década.

Sin dudas, el mayor fenómeno artístico que se dio en el cine de género este año fue la magistral película La sustancia. Con un presupuesto de 17 millones obtuvo casi 50 a nivel internacional, pero produjo algo más que dinero.

La película dirigida por Coralie Fargeat generó una cantidad infernal de memes, provocó debates en las redes por la cinefilia que desborda y dividió aguas en el planteo de su argumento. Además, volvió a ubicar a Demi Moore en lo más alto: se habla de que la actriz podría ser nominada al Oscar al igual que su compañera, Margaret Qualley, que tiene un rol maravilloso.

Otras razones del gran momento que pasa el terror

Además del combo presupuesto bajo – argumento simple – atracción asegurada, el terror actual está en medio de una era en la que las franquicias de superhéroes y las películas animadas también están modificando su manera de producirse.

Con varios estrenos que no lograron más que igualar sus presupuestos o fueron notables fracasos, Disney y Warner se debaten en qué hacer para los próximos años dentro de los géneros que siempre le rindieron más.

En un contexto en el que el cine de superhéroes está perdido en un laberinto de franquicias, el terror intenta imitar cierta estructura industrial para instalar un andamiaje concreto, sin apelar solo a impulsos artísticos.

Esto le permitiría lograr no moverse solo por olas de producción y de sensibilidad del espectador, como sucedió durante la explosión de los subgéneros de las monster movies en los 50; el slasher, a fines de 70; el slasher fantástico, en mitad de los 80; el neoslasher, desde 1995 en adelante; o el torture porn, a principios de 2000.

Margaret Qualley tiene una actuación notable en "La sustancia". (Foto: MUBI)
Margaret Qualley tiene una actuación notable en «La sustancia». (Foto: MUBI)

Los productores reconocidos como Jason Blum pretenden fortalecer las falencias de las producciones para sostener a largo plazo los éxitos que vengan. Es por eso que se asoció con James Wan fusionaron sus empresas Blumhouse y Atomic Monster.

En una entrevista con Deadline, cuando explicó por qué decidió ofrecer fusionarse con la empresa de Wan, Blum dijo que solo producir películas no iba a ser suficiente para hacer éxitos de taquilla.

“La única forma de hacerlo es contratar a un socio, un igual, que básicamente haga lo que yo hago y unir las compañías. Hay razones por las que su compañía en particular encaja perfectamente con la nuestra. Al unirse, el objetivo será aumentar la cantidad de películas que podemos hacer por año y que sean geniales”, remarcó.

El productor veterano del género Chad Archibald, en una charla con el medio IndieWire, arriesgó una razón por la cual puede ser que la actual manera de producir terror es la clave del éxito.

“Cuando haces películas de terror, las riendas se pierden. Es un género tan abierto que podés romper todas las reglas. Se presta a ser un poco más arriesgado, artísticamente, simplemente porque los fanáticos del terror también son cinéfilos. Quieren ver cosas diferentes, cosas emocionantes, nuevas visiones”, sintetizó.

Demi Moore redondea una de sus mejores actuaciones en el cine en "La sustancia". (Foto: MUBI)
Demi Moore redondea una de sus mejores actuaciones en el cine en «La sustancia». (Foto: MUBI)

Esas nuevas formas de ver cine, además, se certifican con lo que se genera en una sala. Coltan Scrivner, miembro del Instituto de Mente y Biología en el Laboratorio de Biología del Comportamiento de la Universidad de Chicago publicó un artículo en el medio Nautilus en el cual analizó por qué las películas de terror son más populares que nunca.

“El terror no es para todos. Alguien que odia las películas de terror probablemente no se beneficie de verlas, y quienes aman el terror pueden disfrutar más. Sin embargo, el terror abarca una amplia gama de subgéneros, y la mayoría de la gente no odia las películas de terror. Ya sea un thriller psicológico, un slasher sangriento o una película de zombies, es probable que puedas encontrar un subgénero que te guste”, reflexionó.

Para cerrar, el especialista dejó una recomendación para la vida diaria, que desde este espacio también se apuntala. “Si te sentís ansioso y buscás una vía de escape, probá con un mundo ficticio de terror”, lanzó. Porque para drama, la vida real ya tiene bastante.

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Un León en el bosque: la valiosa historia de un niño con autismo y la lucha de su familia por la inclusión

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La serie, que se estrena este jueves por Flow, muestra cómo la exclusión educativa no solo afecta a un nene sino que impulsa a todo su entorno a embarcarse en un proceso de crecimiento y autoconocimiento

Una escena común en cualquier escuela podría ser la de niños corriendo y jugando, formando amistades y compartiendo sus primeros aprendizajes. Pero en esa misma escuela, un niño llamado León se enfrenta a una realidad muy distinta. León es un niño de nueve años con autismo que, en lugar de recibir apoyo y comprensión, es expulsado de su escuela por un sistema educativo que no logra adaptarse a sus necesidades. Así comienza la historia de Un León en el bosque, una serie sobre la neurodivergencia, con guion y dirección de Mariano Hueter, que se estrena el jueves 14 de noviembre a través de Flow, una nueva coproducción entre Kuarzo e Idealismo Contenidos.

Franco, el padre de León, representa un proceso diferente pero igualmente significativo. Atrapado entre sus propios prejuicios y la presión social, se muestra al inicio reacio a cuestionar las normas. Sin embargo, poco a poco, su perspectiva cambia y comienza a comprender la importancia de aceptar a León tal y como es. El sistema educativo, en particular, es un tema central en la serie. La historia expone las limitaciones de un sistema que muchas veces deja de lado a aquellos estudiantes que no encajan en los modelos de aprendizaje tradicionales. La serie pone en evidencia la urgencia de crear entornos educativos que respeten y valoren la diversidad de formas de aprendizaje, promoviendo un cambio necesario.

"Un León en el Bosque" subraya la importancia de valorar la diversidad cognitiva en los entornos escolares
«Un León en el Bosque» subraya la importancia de valorar la diversidad cognitiva en los entornos escolares

Desde el comienzo, León se encuentra con un sistema educativo que no logra integrarlo, revelando la falta de infraestructura y la escasa comprensión de las necesidades de los niños con autismo. Esta exclusión, además de afectar a León desencadena un viaje de autodescubrimiento y lucha para su familia, que intenta adaptarse a una sociedad que muchas veces no comprende la neurodiversidad.

Por otro lado, el padre de León se presenta como un personaje que, al inicio de la serie, se muestra incómodo y deberá desafiar sus propios prejuicios sobre el autismo. Atrapado entre sus propias inseguridades y la presión social, Franco se encuentra en un proceso de aceptación gradual. Su vínculo con Macarena, madre de León, y sobre todo, la relación con su hijo, lo llevan a cambiar su perspectiva. A lo largo de la historia, el padre del niño comienza a comprender la importancia de aceptar a su hijo tal como es, abrazando su singularidad en lugar de buscar ajustarla a los estándares neurotípicos.

La dirección de Mariano Hueter aporta una visión creativa y crítica sobre la aceptación de la neurodivergenciaLa dirección de Mariano Hueter aporta una visión creativa y crítica sobre la aceptación de la neurodivergencia

Este proceso de transformación es fundamental para que Franco se reconecte con su hijo y consigo mismo, y represente la evolución emocional de muchos padres que enfrentan la realidad de la neurodiversidad. El abordaje de la temática CEA (condición del espectro autista) contó con el asesoramiento del LicLuciano Bongiavani y el apoyo de TEActiva https://teactiva.org/,la serie refleja la problemática que transita día a día un niño con autismo profundo y su familia. Cualquier padre se verá reflejado en un sinfín de situaciones mostradas en la ficción.

La misión, el objetivo de TEActiva es contribuir a instalar la problemática del autismo en la agenda públicaUn León en el Bosque refleja todo lo que le sucede a un niño con TEA, a su familia y la interacción con el entorno educativo, social y laboral.

Un León en el bosque, la nueva ficción de FlowUn León en el bosque, la nueva ficción de Flow

La historia de León es una representación de la lucha que muchas familias viven en silencio, enfrentándose a barreras sociales y educativas que limitan las oportunidades de sus hijos.

Teleshow conversó con parte del elenco de la nueva ficción. Para el actor Federico D’Elía (Franco): “Es la historia de una familia que está tratando de ver cómo se acomoda en la vida. La excusa más fuerte, en todo sentido; excusa real, es el autismo que padece León. En realidad se cuenta la historia de una familia durante 15 días, a la cual le pasan muchísimas y gira todo alrededor de León. Es un tema complejo. Por eso está bueno este tipo de programas, que la ficción los cuente. También en la historia ponemos una cuota de esperanza, que uno no la tiene que perder, porque en muchos casos los chicos autistas tienen pequeños avances. Esos mínimos avances son enormesUno lo ve con sus hijos cuando empiezan a caminar y ahí caminamos todos”.

Un León en el bosque, filmada en Pinamar, provincia de Buenos AiresUn León en el bosque, filmada en Pinamar, provincia de Buenos Aires

Por otra parte Julieta Cardinali (Macarena) dialogó con Teleshow y habló de cómo le llegó la propuesta: “A mí cuando me dieron los capítulos, Maru Mosca, que es la productora ejecutiva, me dijo léela primero antes de que hablemos cualquier cosa’. Cuando la leí dije ‘yo quiero contar esta historia’. Me parece muy necesario visibilizar estos temas que en la televisión.

La dirección y guion de Mariano Hueter aborda temas urgentes como la inclusión educativa y la aceptación socialLa dirección y guion de Mariano Hueter aborda temas urgentes como la inclusión educativa y la aceptación social

Con respecto al personaje cuenta Cardinali: “A mí me pasó antes de empezar a filmar, hablé con algunas amigas que tienen hijos con autismopregunté para no romantizar el tema y para hacerlo lo más real y con la mayor sensibilidad posible. Me hablaron mucho del cansancio que tienen, de que por momentos no podés más. Y nos pasa a todas las madres y a todos los padres con hijos, pero en este caso este hijo, requiere más atención, más cuidadoque lo tenés que insertar en una sociedad donde no está preparada para insertar a chicos con autismo. Nosotros estábamos muy preocupados de que la historia sea bien contada, es un tema importante. Ni Fede ni yo tenemos un hijo con autismo. Entonces uno empieza a tener esas dudas. Si te equivocás y decís algo que está mal, pero la verdad es que los libros fueron muy bien supervisados”, dijo la actriz.

La serie destaca la necesidad de entornos que apoyen métodos de aprendizaje alternativos, promoviendo un cambio esencial, estreno el 14 de noviembreLa serie destaca la necesidad de entornos que apoyen métodos de aprendizaje alternativos, promoviendo un cambio esencial, estreno el 14 de noviembre

Teleshow también conversó con Lucio Elie, el niño actor que encarna a León: “Estoy de acuerdo con Julieta y Federico de enfrentar el problema. Me di cuenta de que hay que ponerse en el lugar del otro. La empatía sirve mucho porque cada uno tiene un problema distinto y lo mezclan con León. Yo, cuando actuaba, y me decían ‘dale, León , hablá, por favor’ me di cuenta que es un quilombo para la familia. Para la familia es un bajón tremendo no poder comunicarse con su hijo o con el que sea. La serie expresa algo muy, muy lindo que se tiene que empezar a ver que es la empatía. Hay que empezar a ver que no importa quien esté adelante”, concluyó el pequeño actor.

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De ícono romántico a villano siniestro: la transformación de Hugh Grant en su nuevo proyecto

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El actor sorprende en el cine de terror con un rol que desafía sus papeles anteriores y explora los rincones más oscuros de la condición humana

En una pequeña puerta a las afueras de una tranquila ciudad, dos misioneras llaman sin saber lo que les espera al otro lado. Esta escena de la nueva película Heretic evoca los temores más antiguos de la humanidad: enfrentarse a lo desconocido y adentrarse en el lado oscuro del alma humana. En este inquietante thriller de A24Hugh Grant personifica al Sr. Reed, un hombre en apariencia encantador que pronto revelará una naturaleza perversa, probando la fe y la voluntad de sus desafortunadas visitantes en una confrontación que va mucho más allá de un simple debate.

Para Grant, quien durante décadas fue la imagen del héroe romántico británico en comedias como Cuatro bodas y un funeral y Notting HillHeretic representa un giro total hacia personajes oscuros y retorcidos. “Fue un desafío”, confesó en entrevista con Associated Press, agregando que su deseo de explorar papeles más complejos surge de una necesidad personal de “retarse” y probar los límites de su carrera.

La cinta, dirigida por Scott Beck y Bryan Woods—los mismos detrás de A Quiet Place—, es su incursión más radical en el terror, un género que el propio Grant admite no ser capaz de ver fácilmente. “Vi El exorcista cuando era demasiado joven y he estado en terapia desde entonces”, afirmó.

De ícono romántico a villano carismático

La carrera de Hugh Grant ha evolucionado de manera significativa, pasando de ser el ícono tímido y encantador de la comedia romántica británica a convertirse en un intérprete de personajes oscuros, complicados y a menudo retorcidos. La transición fue marcada por su actuación en películas como The UndoingLos caballeros y Calabozos y dragones: honor entre ladrones, donde interpretó a embaucadores y bribones.

Julia Roberts y Hugh Grant en una escena de 'Notting Hill' una de las películas más icónicas del actor Julia Roberts y Hugh Grant en una escena de ‘Notting Hill’ una de las películas más icónicas del actor

En palabras del propio Grant a El País, el éxito de Cuatro bodas y un funeral lo llevó a crear un personaje que en realidad nunca lo representó. “Mi error fue que, de repente, tuve un éxito masivo con Cuatro bodas y un funeral y pensé: ‘Ah, bueno, si eso es lo que a la gente le gusta tanto, también seré esa persona en la vida real’”. Esto lo llevó, según relata, a adoptar la faceta del “señor ‘Tartamudo Guiñador’”, lo que, admite, “es culpa mía que luego me metieran en una caja marcada como ‘Tartamudo Guiñador’”.

Tras varios éxitos con esta fórmula, Grant sentía que era tiempo de reinventarse. Tal como explicó, comenzó a buscar personajes que, por su complejidad, pudieran ser “retadores” y le brindaran la oportunidad de “reinventarse en cada escena”. Esta evolución en su enfoque actoral lo ha llevado a disfrutar de una “era de los espectáculos de fenómenos” en su carrera, como la define él mismo, explorando papeles que van desde el sarcasmo y la ironía hasta la verdadera oscuridad humana.

Renee Zellweger y Hugh Grant en la película Bridget Jones, una comedia romántica que marcó a generaciones (Universal Studios)Renee Zellweger y Hugh Grant en la película Bridget Jones, una comedia romántica que marcó a generaciones (Universal Studios)

A lo largo de su carrera, Grant ha sido conocido por su habilidad para improvisar y añadir espontaneidad a sus personajes, una característica que ha enriquecido sus interpretaciones y le ha permitido aportar su toque personal a cada rol. En la película El diario de Bridget Jones, por ejemplo, improvisó la famosa respuesta de su personaje cuando ve los calzoncillos de Bridget.

Según explicó Grant, el personaje de Heretic no fue la excepción, y de hecho, comentó que su particular imitación de Jar Jar Binks en la película fue una idea suya, pensando que “sería divertido si el personaje hiciera eso porque sería muy extraño”. Esta capacidad de explorar personajes desde ángulos impredecibles lo ha ayudado a evolucionar como actor, especialmente cuando se trata de personajes complejos y oscuros.

Además, Grant detalló que su proceso de preparación va más allá de aprender los diálogos. En cambio, se enfoca en “una especie de adobo absurdamente prolongado y profundo”, en el que estudia meticulosamente el trasfondo de sus personajes, imaginando detalles como “¿Qué pasó en la infancia para que esta persona se comportara así? ¿Cómo era su madre? ¿Cómo era su padre?”. Para el Sr. Reed, el villano de Heretic, Grant investigó a asesinos en serie y líderes de sectas, logrando así una caracterización que proyecta los matices oscuros de su personaje en la pantalla.

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